The camera work here is phenomenal, and the music choices are crazy.
It's also very simple yet sufficient.

But why did Mary age twice as quickly, though?

The camera work here is phenomenal, and the music choices are crazy.
It's also very simple yet sufficient.

But why did Mary age twice as quickly, though?

amo a este jesús bocón, testarudo, subversivo, cómplice de los niños y bien decidido, representado por pasolini en la cuna de la teología de la liberación

amo a este jesús bocón, testarudo, subversivo, cómplice de los niños y bien decidido, representado por pasolini en la cuna de la teología de la liberación

Hay películas que, más allá de la creencia personal de cada uno, se sostienen por la fuerza de su forma, por la claridad de su mirada. Il vangelo secondo Matteo es una de esas. Desde mi lugar —siendo judío y sin creer en el cristianismo— la experiencia no pasa por la fe ni por la identificación religiosa. Pero justamente ahí está lo interesante: al separar completamente el contenido religioso de la obra como objeto artístico, lo que queda es algo impresionante. Una película que está muy, muy cerca de la perfección.
La dirección de Pier Paolo Pasolini es de una pureza increíble. No intenta embellecer el relato de forma convencional ni hacerlo más “accesible”. Al contrario, lo vuelve directo, casi austero. Hay una decisión muy clara de evitar el artificio, de acercarse a una especie de verdad cruda. Los personajes no se sienten idealizados; se sienten reales, humanos, incluso en un contexto tan cargado simbólicamente.
Pasolini filma esta historia con una seriedad absoluta, pero sin grandilocuencia. No hay excesos, no hay manipulación emocional obvia. Todo está contenido, enfocado, como si la película confiara plenamente en el poder de las imágenes y en la fuerza del texto.
Y ahí es donde la cinematografía alcanza un nivel altísimo.
El trabajo del director de fotografía Tonino Delli Colli es extraordinario. Hay una mezcla muy particular entre lo documental y lo poético. La cámara muchas veces parece estar observando más que construyendo, como si estuviera registrando algo que ya existe.
Los rostros tienen una presencia enorme. Primeros planos intensos, casi incómodos a veces, donde cada mirada pesa. Hay una humanidad muy fuerte en cómo están filmados los personajes.
El uso de la luz natural es clave. No hay una búsqueda de perfección estética en el sentido clásico, pero sí hay una coherencia visual muy potente. Todo se siente real, casi tangible. Los paisajes, los espacios abiertos, los cuerpos dentro del encuadre… todo contribuye a una sensación de autenticidad.
Los movimientos de cámara también son muy precisos. No hay nada gratuito. Cada decisión parece estar al servicio de una intención clara: mostrar, no imponer.
Y eso hace que la película tenga una fuerza muy particular.
Incluso sin compartir la base religiosa, hay algo en la forma en que está contada que resulta profundamente respetable. No como doctrina, sino como expresión artística. Es una obra que toma su material con una seriedad absoluta, pero que al mismo tiempo permite que uno la vea desde otro lugar.
Como cine.
Y como cine, funciona de manera extraordinaria.
El ritmo es firme, sin apuro, pero nunca pesado. Las escenas se desarrollan con una claridad que permite seguir todo sin dificultad, pero siempre manteniendo esa distancia que evita que la película caiga en lo sentimental.
Todo está en equilibrio.
Dirección, imagen, actuaciones… todo parece alineado hacia una misma idea.
Y cuando una película logra eso, cuando consigue sostener una visión tan clara sin romper su propia lógica, empieza a acercarse a algo muy difícil de alcanzar.
Por eso Il vangelo secondo Matteo se siente como una obra casi perfecta.
No porque uno comparta lo que dice.
Sino porque lo que hace, lo hace con una precisión, una honestidad y una fuerza cinematográfica realmente impresionantes.
Es cine en estado puro.
Y desde ese lugar, es imposible no reconocer lo grande que es.

Hay películas que, más allá de la creencia personal de cada uno, se sostienen por la fuerza de su forma, por la claridad de su mirada. Il vangelo secondo Matteo es una de esas. Desde mi lugar —siendo judío y sin creer en el cristianismo— la experiencia no pasa por la fe ni por la identificación religiosa. Pero justamente ahí está lo interesante: al separar completamente el contenido religioso de la obra como objeto artístico, lo que queda es algo impresionante. Una película que está muy, muy cerca de la perfección.
La dirección de Pier Paolo Pasolini es de una pureza increíble. No intenta embellecer el relato de forma convencional ni hacerlo más “accesible”. Al contrario, lo vuelve directo, casi austero. Hay una decisión muy clara de evitar el artificio, de acercarse a una especie de verdad cruda. Los personajes no se sienten idealizados; se sienten reales, humanos, incluso en un contexto tan cargado simbólicamente.
Pasolini filma esta historia con una seriedad absoluta, pero sin grandilocuencia. No hay excesos, no hay manipulación emocional obvia. Todo está contenido, enfocado, como si la película confiara plenamente en el poder de las imágenes y en la fuerza del texto.
Y ahí es donde la cinematografía alcanza un nivel altísimo.
El trabajo del director de fotografía Tonino Delli Colli es extraordinario. Hay una mezcla muy particular entre lo documental y lo poético. La cámara muchas veces parece estar observando más que construyendo, como si estuviera registrando algo que ya existe.
Los rostros tienen una presencia enorme. Primeros planos intensos, casi incómodos a veces, donde cada mirada pesa. Hay una humanidad muy fuerte en cómo están filmados los personajes.
El uso de la luz natural es clave. No hay una búsqueda de perfección estética en el sentido clásico, pero sí hay una coherencia visual muy potente. Todo se siente real, casi tangible. Los paisajes, los espacios abiertos, los cuerpos dentro del encuadre… todo contribuye a una sensación de autenticidad.
Los movimientos de cámara también son muy precisos. No hay nada gratuito. Cada decisión parece estar al servicio de una intención clara: mostrar, no imponer.
Y eso hace que la película tenga una fuerza muy particular.
Incluso sin compartir la base religiosa, hay algo en la forma en que está contada que resulta profundamente respetable. No como doctrina, sino como expresión artística. Es una obra que toma su material con una seriedad absoluta, pero que al mismo tiempo permite que uno la vea desde otro lugar.
Como cine.
Y como cine, funciona de manera extraordinaria.
El ritmo es firme, sin apuro, pero nunca pesado. Las escenas se desarrollan con una claridad que permite seguir todo sin dificultad, pero siempre manteniendo esa distancia que evita que la película caiga en lo sentimental.
Todo está en equilibrio.
Dirección, imagen, actuaciones… todo parece alineado hacia una misma idea.
Y cuando una película logra eso, cuando consigue sostener una visión tan clara sin romper su propia lógica, empieza a acercarse a algo muy difícil de alcanzar.
Por eso Il vangelo secondo Matteo se siente como una obra casi perfecta.
No porque uno comparta lo que dice.
Sino porque lo que hace, lo hace con una precisión, una honestidad y una fuerza cinematográfica realmente impresionantes.
Es cine en estado puro.
Y desde ese lugar, es imposible no reconocer lo grande que es.

“ **I am a non-believer, who has nostalgia for a belief. “
Movie by an atheist :) **if I were more religious, I’d give this five stars.

“ **I am a non-believer, who has nostalgia for a belief. “
Movie by an atheist :) **if I were more religious, I’d give this five stars.

One of the best 75 films I’ve ever seen.

Pier Paolo Pasolini was many things at once: poet, novelist, Marxist intellectual, openly gay man in a conservative Catholic country, and one of the most provocative artists of the twentieth century. His life was marked by scandal, exile, controversy, and an unrelenting opposition to bourgeois values. Though he declared himself non-believing, his relationship with Christianity was never simple rejection. He was fascinated by the figure of Christ, not as a theological abstraction, but as a radical presence in history.
Having seen Teorema, it becomes clear how consistent Pasolini’s ideological obsessions were. In Teorema, the sacred enters a bourgeois household and destroys it from within. Grace becomes a scandal. Revelation becomes rupture. The critique of capitalism, of spiritual emptiness, of modern alienation, is central. In that sense, The Gospel According to St. Matthew feels like the purest crystallization of his thought. For me, it stands as his magnum opus: the moment where his politics, his poetry, and his spiritual inquietude converge into something timeless.

Pasolini does not “adapt” the Gospel. He transcribes it and he creates the most perfect film about the life of Jesus Christ (in my personal opinion). The dialogue is drawn almost entirely from the Gospel of Matthew itself. There are no psychological additions, no modern reinterpretations. The radical gesture lies in the staging. Christ is not softened. He is not the gentle, sentimental figure often seen in commercial religious cinema. He is severe, urgent, almost incendiary. His gaze is sharp. His words confront.

Shot in southern Italy with non-professional actors, the film inherits the rawness of Italian neorealism. Yet that rawness becomes sacred.
Pasolini’s camera is frontal, austere, almost documentary in its stillness. Faces look carved from stone. Landscapes are dry, poor, unadorned. Poverty is not aesthetic decoration; its theology.

The soundtrack moves from Bach to African music to spirituals, suggesting a Christ who transcends geography and time. The Passion echoes across cultures.

Pasolini’s Jesus is not bourgeois. He is not comfortable.
He is disruptive.

His sermons feel like manifestos against hypocrisy and institutional power. Through Pasolini’s lens, the Gospel appears profoundly subversive. Christ emerges almost as the first revolutionary figure, confronting systems of authority and announcing a kingdom that does not belong to worldly order.
Implicitly, the film critiques modern bourgeois Christianity, religion reduced to tradition, faith domesticated into harmless ritual.

Mary, played by Pasolini’s own mother, carries a silent gravity. From the beginning, there is sorrow in her presence.

Christ, meanwhile, is intensely human. He feels anger. Determination. Urgency.
But when the crucifixion arrives, the political reading dissolves. There is no manifesto left. Only suffering. Only the face.

And something extraordinary happens:
the atheist films faith.

The Gospel According to St. Matthew does not attempt to explain Christ.
It allows Him to speak.

And in that act of allowing, cinema becomes prayer.
And the prayer, in the silence reaches God.

100/100

One of the best 75 films I’ve ever seen.

Pier Paolo Pasolini was many things at once: poet, novelist, Marxist intellectual, openly gay man in a conservative Catholic country, and one of the most provocative artists of the twentieth century. His life was marked by scandal, exile, controversy, and an unrelenting opposition to bourgeois values. Though he declared himself non-believing, his relationship with Christianity was never simple rejection. He was fascinated by the figure of Christ, not as a theological abstraction, but as a radical presence in history.
Having seen Teorema, it becomes clear how consistent Pasolini’s ideological obsessions were. In Teorema, the sacred enters a bourgeois household and destroys it from within. Grace becomes a scandal. Revelation becomes rupture. The critique of capitalism, of spiritual emptiness, of modern alienation, is central. In that sense, The Gospel According to St. Matthew feels like the purest crystallization of his thought. For me, it stands as his magnum opus: the moment where his politics, his poetry, and his spiritual inquietude converge into something timeless.

Pasolini does not “adapt” the Gospel. He transcribes it and he creates the most perfect film about the life of Jesus Christ (in my personal opinion). The dialogue is drawn almost entirely from the Gospel of Matthew itself. There are no psychological additions, no modern reinterpretations. The radical gesture lies in the staging. Christ is not softened. He is not the gentle, sentimental figure often seen in commercial religious cinema. He is severe, urgent, almost incendiary. His gaze is sharp. His words confront.

Shot in southern Italy with non-professional actors, the film inherits the rawness of Italian neorealism. Yet that rawness becomes sacred.
Pasolini’s camera is frontal, austere, almost documentary in its stillness. Faces look carved from stone. Landscapes are dry, poor, unadorned. Poverty is not aesthetic decoration; its theology.

The soundtrack moves from Bach to African music to spirituals, suggesting a Christ who transcends geography and time. The Passion echoes across cultures.

Pasolini’s Jesus is not bourgeois. He is not comfortable.
He is disruptive.

His sermons feel like manifestos against hypocrisy and institutional power. Through Pasolini’s lens, the Gospel appears profoundly subversive. Christ emerges almost as the first revolutionary figure, confronting systems of authority and announcing a kingdom that does not belong to worldly order.
Implicitly, the film critiques modern bourgeois Christianity, religion reduced to tradition, faith domesticated into harmless ritual.

Mary, played by Pasolini’s own mother, carries a silent gravity. From the beginning, there is sorrow in her presence.

Christ, meanwhile, is intensely human. He feels anger. Determination. Urgency.
But when the crucifixion arrives, the political reading dissolves. There is no manifesto left. Only suffering. Only the face.

And something extraordinary happens:
the atheist films faith.

The Gospel According to St. Matthew does not attempt to explain Christ.
It allows Him to speak.

And in that act of allowing, cinema becomes prayer.
And the prayer, in the silence reaches God.

100/100